L'artiste basée à Amsterdam Natisa Jones partage des fragments de souvenirs, de poésie et de confessions dans son œuvre, qu'elle espère faire écho aux sentiments du spectateur.

J'ai toujours été une enfant créative, dessinant et fabriquant des choses. En tant qu'enfant unique, c'était ainsi que je m'occupais et passais beaucoup de mon temps. J'ai grandi en jouant dans l'atelier de peinture de ma mère, où j'ai beaucoup appris et observé. Mon père, de temps en temps, peignait des paysages urbains à l'aquarelle comme passe-temps. Ma grand-mère écrivait de la poésie et aimait fabriquer des choses de ses mains. Parmi ma famille se trouvent des joailliers et des designers, il n'était donc pas surprenant de me retrouver dans le domaine créatif. C'était une voie que l'on ne m'a jamais découragée d'explorer et finalement de poursuivre. Avant de me consacrer à la peinture à plein temps professionnellement, j'étais pigiste en illustration, en conception graphique et dans d'autres travaux créatifs qui m'ont beaucoup appris et je pense qu'ils influencent encore parfois ma façon de penser l'esthétique et le langage visuel. J'ai eu l'impression que la peinture et la création artistique me donnaient un moyen de me connecter aux gens tout en m'explorant en temps réel. Je me sens très chanceuse d'avoir pu en faire une carrière jusqu'à présent.

Il y a deux façons d'aborder l'influence et l'inspiration dans l'art et dans ma vie. Une figure d'inspiration majeure dans ma vie a été ma grand-mère (et les femmes qui m'ont élevée). Mais la relation de ma grand-mère à la créativité n'est pas quelque chose de trop intellectualisé ou analysé, c'est plutôt une relation sincère et authentique à laquelle je reviens continuellement lorsque je pense à l'essence même de la création. Elle crée par amour, joie et curiosité – comme un moyen d'offrir des cadeaux à sa famille, à ses amis, à son voisinage ou à elle-même. À un moment de sa vie où elle a perdu son mari et a dû élever ses quatre enfants en tant que mère célibataire, sa créativité a été essentielle à sa survie. En tant que matriarche de notre famille, elle est quelqu'un que j'admire et dont je puise toujours la force.

« Quand je regarde mon travail j'espère emmener le spectateur à lui-même surtout »

En ce qui concerne la création artistique, j'ai de nombreuses influences, mais trois de mes principales sont Pablo Picasso, Louise Bourgeois et M.I.A (Maya Arulpragasam). Je reviens toujours étudier ces trois artistes à travers différentes périodes créatives et j'en tire tellement de choses que je peux appliquer à ma propre pratique.

L'identité est un sujet avec lequel je suis constamment aux prises. J'avais l'impression d'être toujours en crise d'identité culturelle en grandissant (haha) et je suppose que ce désir d'appartenance a déclenché le besoin pour moi de comprendre ce qui me connecte ou me déconnecte des autres. Je fais de l'art pour me contextualiser et naviguer le déplacement que je ressentais souvent. Les règles de l'art sont flexibles et négociables. Mon travail et moi pouvons exister au-delà des frontières géographiques, physiques ou théoriques et potentiellement trouver une association avec quelque chose que je n'aurais jamais pensé, au départ. Les thèmes qui accompagnent cette exploration tournent souvent autour de la spiritualité, du désir, de la dualité, du conflit, de la réconciliation, de la transformation, de l'équilibre.

L'acte d'écrire et de dessiner favorise un degré d'urgence, d'impulsion et de candeur qui, pour moi, offre une scène où la vérité peut se révéler. J'écris régulièrement comme un acte de confession et souvent des phrases se retrouvent sur ma toile. Cela me permet d'aborder les thèmes de la vulnérabilité et de la connectivité. Avec le texte, je peux documenter des moments, explorer des souvenirs, conserver des déclarations ou réorganiser des récits. Parfois, c'est aussi simple qu'un « pense-bête », d'autres fois c'est pour introduire une dimension poétique et parfois un outil pour interrompre.

« Se reconnaître dans une œuvre d’art, dans une de ses vérités, c’est comme rentrer à la maison. »

En contemplant mon œuvre, j'espère avant tout amener le spectateur à se retrouver lui-même. Je raconte mon histoire aussi sincèrement que possible, à ma manière. J'espère que si je ressens quelque chose, quelqu'un d'autre le ressentira aussi. Cela commence par puiser dans mes propres expériences, mais une fois que c'est rendu public, ce n'est plus à moi et j'espère que cela sera utile à quelqu'un d'autre dans son parcours, quel qu'il soit. Lorsque je suis immergé dans une œuvre de mes peintres préférés, cela me donne l'espace nécessaire pour explorer une partie de moi que je n'ai pas vue ou que je n'ai pas encore réussi à exprimer. Bien que cela prenne forme dans le langage, la couleur, les lignes de quelqu'un d'autre, cela agit comme un miroir de ma propre condition humaine où nous sommes liés plus étroitement les uns aux autres. Je ne me soucie pas vraiment de dicter comment les gens devraient ressentir ou réagir à l'œuvre. Rien n'est juste ou faux, il s'agit simplement de partager pour avoir la chance de se comprendre et d'éprouver de l'empathie les uns envers les autres. Si les gens se voient dans mon travail et ont l'impression que leur histoire a été reflétée d'une manière ou d'une autre, c'est le sentiment le plus gratifiant parce que j'ai l'impression d'avoir été utile. Se sentir lié à une œuvre d'art et s'y retrouver, en vérité, c'est comme rentrer à la maison. C'est une grande partie de ce qui motive les décisions dans mon travail.

L'imagerie florale dans mon travail symbolisait autrefois la peur. En créant de l'art, je me questionne souvent sur ce qui est bon ou mauvais en esthétique, et cette pression était personnifiée dans le dessin de fleurs, quelque chose d'associé à la beauté et à la décoration. C'était une façon d'exprimer et de réconcilier mon anxiété à l'idée de créer quelque chose de beau ou d'esthétiquement acceptable. Les dessiner ou les incorporer dans mon langage visuel était une façon d'encadrer la peur et d'y faire face. Elles ont occupé différentes positions, changé d'échelle et de forme. Ainsi, ma relation avec cette peur a également pu évoluer. Non pas pour l'ignorer, ni pour la prendre trop au sérieux, mais d'une certaine manière pour jouer avec elle et lui permettre de m'enseigner quelque chose.

Je me sens chez moi dans différents endroits. Bali et Jakarta, où vit la majeure partie de ma famille, sont mon foyer. Chiang Mai, où j'ai été en internat et où vivent mes parents, a une part de chez-moi pour moi. Amsterdam est lentement devenue un espace que j'appelle chez-moi ces dernières années.

Nous (mon mari et moi) savions que nous voulions vivre en Europe, car nous avons majoritairement grandi en Asie. J'ai terminé mes études universitaires à Melbourne, en Australie, et j'y ai toujours appris sur les grands maîtres, les musées et la façon dont l'art est apprécié ici. L'histoire de l'art est évidemment impressionnante et je voulais passer une partie de ma vie à vivre au milieu de ce que j'avais tant étudié. Je voulais vraiment le respirer et exister près de lui. Dès que cela a été une option viable pour nous, nous avons décidé de prendre un risque et de faire de cette ville notre foyer pour un certain temps. Cela a été une source d'inspiration et de nourriture pour le processus créatif, c'est certain. C'est agréable de pouvoir se promener et de rencontrer une œuvre d'art en personne et de se tenir devant elle en chair et en os, par opposition aux livres et aux vignettes auxquels j'étais habituée.

Culturellement, les gens ici sont plutôt individualistes et bien que cela puisse être parfois difficile (car je viens d'une culture très communautaire et affectueuse), c'est aussi très libérateur. Repousser mes limites et sortir de ma zone de confort m'a beaucoup inspirée. Le processus pour s'endurcir peut être douloureux mais gratifiant. J'apprends différentes façons d'opérer, de traiter et de communiquer, et ces phases de transition me donnent souvent beaucoup de matière pour créer.

Amsterdam est une belle ville où l'on peut flâner sans but (quand le temps le permet). Les maisons sont empilées les unes contre les autres et souvent bancales. On peut toujours voir l'intérieur des maisons des gens car les Néerlandais ne tirent pas vraiment leurs rideaux. La ville a donc un air très fantaisiste. C'est une ville détendue, onirique, fantaisiste et organisée. Sous le soleil, elle est chaude et assez verte. Sous les nuages, tout est gris.

« Si les gens se reconnaissent dans mon travail, et sentent que leur histoire a été reflétée d'une certaine manière, c'est le sentiment le plus gratifiant »

Mon style d'intérieur est éclectique et ludique. J'essaie de ne pas le prendre trop au sérieux, mais d'être intentionnelle. Pour moi, l'équilibre vient de la présence de différents éléments dans la maison. Nous essayons de jouer avec la combinaison de différentes formes et textures, en fusionnant des choses improbables. Nous avons des thèmes dans chaque pièce pour renforcer la façon dont nous voulons nous sentir dans la cuisine par rapport au salon.

Les appartements d'Amsterdam sont considérablement petits et agencés de manière maladroite, nous sommes donc devenus doués pour négocier l'espace. C'est un processus amusant d'essais et d'erreurs et nous apprenons toujours. tout en un seul endroit.

Dans mon studio, j'ai besoin d'un espace clair et propre pour permettre aux idées de venir et au mouvement de se faire facilement. Le désordre crée un blocage, donc nous ne pouvons pas en avoir trop. J'ai besoin d'un endroit confortable pour m'asseoir, lire et écrire et d'un bon tapis pour les jours plus froids. J'aime avoir autour de moi des objets qui me rendent heureuse et m'inspirent, mais aussi un espace suffisamment neutre pour pouvoir offrir une sensation de toile vierge afin que le processus de création prenne vraiment le dessus. Je ne peux pas avoir de pièces maîtresses dans le studio parce que le travail doit être la pièce maîtresse et pour que cela se produise, j'ai besoin d'un espace considérablement esthétiquement impartial.